TIDSSKRIFT FOR POESIKRITIKK

188. utgåve     |    23. april 2026    |    BOKMELDING

Søk

Kunsten og kjærligheten

Den velkjente myten om lyrespilleren Orfeus og hans elskede Eurydike gjenbrukes og reformuleres.

AV KJETIL RØED

DIKT

Johann Grip

Orfeudike

76 s.  

Existenz forlag, 2025

LYTT TIL BOKMELDINGA

Den velkjente myten om lyrespilleren Orfeus og hans elskede Eurydike gjenbrukes og reformuleres.

DIKT

 

Johann Grip

Orfeudike

76 s.  

Existenz forlag, 2025

AV KJETIL RØED

Johann Grip skriver seg inn i  en lang, lang historie med Orfeudike, som kretser rundt et gammelt sagn om kjærlighetens gleder og sorger – og kunsten. Å bruke gamle myter og sagnfigurer som grunnlinjen i poesi er ikke noe nytt, for å si det mildt, men akkurat derfor er det et mot i å gjøre det. Å presse gjennom sin egen stemme i det som allerede er sagt tusenvis av ganger før krever en evne til å overvinne engstelsen for det allerede sagte, og for gjentagelsen som ligger i å vandre inn i dette billedrommet. Det er akkurat det Johann Grip gjør i Orfeudike, hvor den velkjente historien om lyrespilleren Orfeus og hans elskede Eurydike gjenbrukes og reformuleres.

De fleste kjenner nok denne historien, men la meg skissere den kort, siden dette er lesten Grip poetiserer rundt. Orfeus, forteller sagnet, var en så bedårende lyrespiller at enhver som hørte hans musikk ble fullstendig trollbundet. Ja, til og med naturen og dyrene lot seg henføre. Slik fikk han alt liv han spilte for i sin makt, kunne man si; eller – litt annerledes sagt – skapte han en egen sone for kunsten hvor det ikke var makt som var viktig, men snarere selvoppgivelse og fellesskap. For det er jo mulig å tenke seg at mannen selv ble like forhekset som dem han spilte for. Jeg kommer tilbake til denne tvetydigheten.

Eurydike er kvinnen han elsker. Men historien utvikler seg tragisk, siden hun blir bitt av en slange på bryllupsdagen og dør. Men Orfeus får mulighet til å få henne tilbake fra Hades – dødsriket – når han spiller sin vakre musikk. Musikken som tidligere var uttrykk for liv og glede kanaliserer nå sorg – men også sorgmusikken er så sterk at den demonterer grensene for hva som er mulig. Når Orfeus spiller i underverdenen (Hades) for å få Eurydike tilbake, blir selv de ellers så strenge dødsgudene, Hades og Persefone, så rørt at de tillater Eurydike å følge ham tilbake til de levendes verden. Betingelsen er at han ikke skal se seg tilbake – se på henne – når hun følger ham ut fra Hades. Ikke før de er ute i solen igjen kan han snu seg. Men han kan ikke vente og snur seg, og da brytes fortryllelsen. Hun trekkes tilbake til dødsrikets mørke, og Orfeus er overlatt til seg selv, og nå er sorgen så overmannende at han ikke lenger kan spille musikk, og dermed har han også mistet sin evne til å utfordre de grensene som vanligvis deler opp virkeligheten. Grip formulerer hele fortellingen kontant flere steder, som her:

Du vant mitt hjerte

med et øyekast

 

Jeg skal miste deg

ved det samme

Eller her:

«Orfeus kunne synge

så hele verden stanset opp

og lyttet».

 

Men her har døden

sin egen vilje.

Det finnes utallige varianter av denne myten, og Grip tar seg ganske drastiske friheter. Rainer Maria Rilkes Sonetter til Orfeus representerer et annet eksempel. Poeten bruker den orfiske musikken som bilde på selve skaperkraften i kunst, og Evrydike som det virkelighetstap som nærer diktningen. Den franske forfatteren Maurice Blanchot er inne på en tilsvarende utglidning mellom fantasi og virkelighet i sin gjenfortelling av myten. Eurydike er ikke et annet menneske, først og fremst, men snarere det som er spiren til den skapende kraften i Orfeus musikk og – indirekte – i all kunst. Eurydike er «det dypt dunkle punktet som kunsten, begjæret, døden og natten synes å strekke seg mot», som han skriver i essayet Orfeus’ blikk.

Johann Grip faller inn i denne tradisjonen, må man vel kunne si, i sin radikale dreining på den opprinnelige historien. For det første forener han parets to aktører til én allerede i tittelen Orfeudike; og akkurat denne remonteringen av rollegalleriet er en nøkkel til diktene. Vi kunne si at han bruker språket som et redskap for å spleise sammen billedmaterialet historien har gitt oss på en ny måte, for ved å gjøre Orfeus og Eurydike til ett skaper han noe nytt som nullstiller det mytiske materialet. Som hos Blanchot og Rilke blir ikke tapet en enveisbevegelse, men snarere en slags poetisk mekanisme som biter seg i halen. Å se er å skape, og forsvinning er tilsynekomst. Som her:

Du vet at du må

snu deg

 

for å se

 

din elskede må

du

 

snu deg

vekk

 

så hun kan

vende tilbake

 

nøyaktig slik

 

du

må se henne

Noe av poesiens evne til å innlemme motsetninger samsvarer med billedkunsten, for det å skrive er jo en offentlig handling, men på samme tid kan diktet, som noe alle kan lese, vitne om isolasjon og sorg som ikke lar seg kommunisere direkte, nesten som en type lyrisk fossil. Slik blir kunsten et sorgarbeid, hvor skapelsen er det fraværendes form, kunne man kanskje si, en slags krypt, hvor det vi ikke kan se gir form til det vi kan se. Diktet blir et forsvinningens ornament:

Hva er det vi ikke vil forstå

når døden folder sine kronblader

 

om den elskede?

 

Kveld må komme

og blomster verne om sin kostbarhet.

Grip minner om Blanchot og Rilke, men er mer hverdagsnær, nesten realistisk, for på ett plan kan diktene leses som en beskrivelse av en som har mistet kjæresten i en høyst samtidig setting. Diktene er mindre høystemte, Det mytiske blir mer som konseptuelle brikker i det tapets og kjærlighetens puslespill Grip legger. Det er risikabelt, men kanskje også nødvendig, å gjøre dette, fordi det mytiske stoffet er så til de grader innkapslet i andres formuleringer. Grip må derfor vri drastisk på forelegget for å beholde dets friskhet – ja, han må vri ekstra for å beholde de historiske røtter som berører kjernen av hva poesi er, men også hva det vil si å være menneske.

Men også hva forholdet er mellom fantasi og virkelighet, for kanskje det er slik, som Blanchot og Rilke hevder, at fortellingen om kjærlighet må ofre den faktiske kjærligheten? Det er ihvertfall slik utallige forfattere har operert, og det er slik litteraturens store beretninger har beholdt en tragisk kjerne i seg: de handler som regel om det som er tapt i virkeligheten, men gjenvunnet i kunsten. Kanskje vi også kunne si at kjærligheten mellom to uansett forsvinner, fordi de to forsvinner, men at kunsten består i form av dikt, kunst, film. Slik sett er Orefeudike også en refleksjon over alle tings forgjengelighet, og det velkjente Horats–utsagnet ars longa, vita brevis. Livet er kort, men kunsten er lang. Samtidig sier Grip – gjennom å forene Orfeus og Eurydike til ett – at den «døde» parten alltid er talende om den bevares; i minnet snakker den andre fortsatt til deg, og kanskje vi kunne si at selve diktet – boka, kunstverket – er en slik talende krypt også: at selv om den eller de det skrives om, eller den som skriver, ikke lenger er her, vil selve henvendelsens melodi i form av kunstverket nå os. 

Kjetil Røed (f. 1973) er kunst- og litteraturkritiker. Han har skrevet i Morgenbladet, Aftenposten og Vårt Land. Røed har blant annet utgitt Kunsten og livet, en bruksanvisning (2019), Kunsten og døden, en bruksanvisning (2021) og Fra punktum til kolon, et essay om kritikk og kjærlighet (2022). Røed har vært redaktør for Billedkunst siden 2018.

ABONNER PÅ KRABBENS NYHEITSBREV

Nyheitsbrevet er gratis og kjem kvar veke. 

ABONNER PÅ KRABBENS NYHEITSBREV

Nyheitsbrevet er gratis og kjem kvar veke.